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 Gagner des P+, JEUX N°3: Art

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Tonynelly
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Lun 4 Sep 2006 - 23:24

bonne réponse

2+1pts pour betty


nouvelle image pour une nouvelle semaine!!

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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Mar 5 Sep 2006 - 11:38

La Guitare « Statue d’épouvante » est une œuvre de Georges Braque,

réalisée en novembre 1913. Dimensions : 73 cm x 100 cm. Papier collé, fusain, et huile sur toile.

Il s’agit dans cette œuvre d’introduire un objet ayant une réalité matérielle distincte de la réalité strictement picturale, jouant à la fois comme référence à ce qu’il représente et comme surface colorée. On retrouve l’espace ovale vu en largeur, déjà utilisé dans plusieurs peintures de la même époque, qui resserre la composition et peut également être une métaphore de la table, couverte d’objets. Mais l’ellipse dessinée au fusain et cernée de gouache, est ici inscrite par le peintre dans le rectangle traditionnel, les marges signalant un cadre.
Au centre du tableau figure une guitare dont la forme est découpée dans un papier rehaussé d’un dessin au fusain qui explicite la signification de la découpe : corde et rosace de l’instrument. Une ligne intervient pour souligner de blanc le volume de la caisse. Le fusain définit également des plans pouvant être interprétés comme des feuilles de papier, affiches ou portées musicales. Un verre à pied est dessiné comme la partition de musique voisine. Quelqu’un (Jean Laude) remarquait que privé de leurs notes, ces portées musicales fonctionnaient comme « un écho des cordes de l’instrument ». Parmi les prospectus annonçant des spectacles, on en remarque un, évoqué par de grandes lettres dessinées imitant celles qu’on obtient au pochoir, introduisant le mot « CONCERT ». Braque est d’ailleurs le premier à introduire la lettre d’imprimerie dans la peinture. On en distingue un autre, bien réel, collé sur le papier du fond, donnant le programme d’une représentation du « Trivoli-Cinema » de Sorgues.
Les autres papiers collés, l’un noir, l’autre faux bois de commerce, agissent comme surfaces colorées. Ils constituent un autre jeu sur les différents niveaux de réalité. Le choix d’un papier faux-bois se réfère au matériau dans lequel l’instrument est construit. Le recours au peigne à peindre le faux-bois et à la technique du faux-marbre dans la peinture est due à Braque.

Georges Braque (13 mai 1882 à Argenteuil-sur-Seine - 31 août 1963) fut un peintre et sculpteur. Il fut, avec Pablo Picasso, l'un des initiateurs du cubisme. Le cubisme hérita également de la vision de Paul Cézanne dont le tableau "Les grandes baigneuses" annonçait déjà le cubisme.

Il passa sa jeunesse au Havre et étudia le soir à l'École des Beaux-Arts de 1897 à 1899.

Il étudia à Paris avec un maître décorateur et obtint son certificat d'artisanat en 1901. L'année suivante il suit les cours à l'académie Humbert où il peint jusqu'en 1904. C'est là qu'il rencontre Marie Laurencin et Francis Picabia.

Ses premières œuvres furent impressionnistes, mais il changea rapidement pour le fauvisme. En 1907, il exposa des œuvres de ce style au Salon des Indépendants. De 1909 à 1911, il travailla avec Picasso pour développer le cubisme. En 1912, ils commencèrent à expérimenter le collage et le papier collé. Leur collaboration dura jusqu'en 1914. Braque est blessé au cours de la Première Guerre mondiale. Il s'éloigne ensuite des plus difficiles abstractions du cubisme vers des formes plus abstraites et hermétiques.

Il est enterré au cimetière marin de Varengeville-sur-Mer, dont la petite église porte des vitraux qu'il a conçus.

Ses Œuvres
La Guitare : « Statue d’épouvante » (Novembre 1913)
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Tonynelly
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Jeu 7 Sep 2006 - 20:08

Bonne réponse Betty

2+1pts pour toi..
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Jeu 7 Sep 2006 - 21:03

Une petite dernière pour les plus ASSIDuS d'entre vous!!!

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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Jeu 7 Sep 2006 - 23:11

LE SACRIFICE D'ABRAHAM


Rembrandt Harmenszoon van Rijn, habituellement désigné sous le nom de Rembrandt (15 juillet, 1606 - 4 octobre, 1669) est généralement considéré comme l'un des plus grands peintres de l'histoire de l'art baroque européen, et le plus important des peintres néerlandais du XVIIe siècle. Rembrandt a également réalisé des gravures et des dessins. Il a vécu pendant une période que les historiens appellent le siècle d'or néerlandais (approximativement le XVIIe siècle), durant laquelle culture, science, commerce et influence politique de la puissante Hollande ont atteint leur apogée.

Rembrandt a produit environ 600 peintures, 300 gravures et 2000 dessins. Son goût pour les autoportraits (il en a réalisé une centaine tout au long de sa carrière) nous permet de suivre son évolution personnelle, tant physique qu'émotionnelle. Le peintre se représente sans concession, avec ses défauts et ses rides.

Une des caractéristiques majeures de son œuvre est l'utilisation de la lumière et de l'obscurité (technique du clair-obscur), qui attire le regard par le jeu de contrastes appuyés. Les scènes qu'il peint sont intenses et vivantes, dépourvues du formalisme que l'on pouvait rencontrer chez certains de ses contemporains. Ce n'est pas un peintre de la beauté ou de la richesse, il sait montrer la compassion et l'humanité, qui ressortent dans l'expression de ses personnages, qui sont parfois pauvres et âgés. Ses thèmes de prédilection sont le portrait (et les autoportraits) ainsi que les peintures bibliques. Il a fait peu de paysages (cela est moins vrai pour l'œuvre gravé) ou de thèmes mythologiques.

Sa famille proche – Saskia, sa première femme, son fils Titus et sa deuxième femme Hendrickje – apparaissent régulièrement dans ses peintures, dont l'inspiration est le plus souvent mythologique, biblique ou historique. Rembrandt aime aussi représenter des scènes de la vie quotidienne, des groupes sociaux.


Biographie
Rembrandt est né le 15 juillet 1606 à Leyde aux Pays-Bas actuels, huitième enfant (sur neuf) d'un père meunier et d'une mère fille de boulanger. Il passe son enfance et le début de sa vie de peintre dans sa ville natale, après avoir étudié le latin et effectué un bref passage à l'Université de Leyde.

En 1621, il décide de se consacrer entièrement à la peinture et prend des leçons avec un artiste local, Jacob van Swanenburgh. Après une petite période d'apprentissage à Amsterdam, il ouvre un atelier à Leyde qu'il partage avec son ami et collègue Jan Lievens, qui l'initie probablement à la gravure. En 1627, Rembrandt commence lui-même à enseigner à d'autres étudiants, dont Gerard Dou qui entre dans son atelier en 1628.

En 1631, il a acquis une solide réputation, ce qui lui vaut plusieurs commandes de portraits en provenance d'Amsterdam où il s'installe. La même année, il réalise un portrait du roi Charles Ier. Il s'installe chez un marchand d'art d'Amsterdam Hendrick van Uylenburgh et finit par épouser le 22 juin 1634, sa riche nièce Saskia van Uylenburg. Elle l'introduira dans les cercles de la haute société et favorisera sa réputation. Rembrandt a réalisé plusieurs portraits de sa femme vers 1633 (National Gallery of Art de Washington D.C) et 1634 (musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg).


Portrait de Saskia, femme de RembrandtEn 1639, Rembrandt et Saskia déménagent pour habiter une maison cossue de Jodenbreestraat dans le quartier juif, qui deviendra le Musée de la maison de Rembrandt. Trois de leurs enfants meurent peu après la naissance. Le quatrième, Titus, né en 1641 atteindra l'âge adulte. Saskia meurt de la tuberculose en 1642 à l'âge de 30 ans.

Rembrandt partage ensuite sa vie avec Geertje Dircx, jeune veuve sans enfant, entre 1643 et 1649. Cette dernière est enfermée dans un asile d'aliénés. Il doit alors affronter un certain nombre de difficultés.

En 1645, Hendrickje Stoffels, qui était auparavant la servante de Rembrandt, devient sa concubine. En 1654 ils ont une fille, Cornelia, ce qui leur vaut un blâme de l'Église qui leur reproche de « vivre dans le péché ».

Rembrandt vivant au-dessus de ses moyens, achetant des pièces d'art, des costumes dont il se sert souvent dans ses peintures, n'arrive plus à honorer ses dettes en 1656. Il doit alors vendre sa maison et se contenter d'un logis plus modeste sur Rozengracht. Hendrickje et Titus y installent une boutique d'art pour faire vivre la famille, car la renommée de Rembrandt chute et les commandes ne suivent plus. Il survit pourtant à Hendrickje (décédée en 1663) et Titus, mort en 1668. Seule sa fille Cornelia est à ses côtés quand il meurt le 4 octobre 1669. Pauvre, il est inhumé dans l'église de Wesker.

Influences
Son premier maître, Jacob van Swanenburgh, lui apprend la technique de gravure à l'eau-forte.

Rembrandt a été l'élève de Pieter Lastman pendant six mois à Amsterdam. Lastman était un peintre de scènes bibliques, mythologiques et historiques. On considère qu'il a beaucoup influencé l'œuvre de Rembrandt, en lui donnant un sens de la composition et en lui montrant les sources d'inspiration que pouvaient être l'histoire et la religion. Lastman avait lui-même étudié en Italie au début du siècle et apporta sans doute à Rembrandt des techniques de ce pays, comme l'apport de cire d'abeille dans la peinture à l'huile pour y ajouter du relief et de la luminosité.


Élèves
Rembrandt a eu plusieurs élèves qui ont connu le succès :

Ferdinand Bol (1616-1680)
Gerard Dou (1613-1675)
Willem Drost (1630-1680)
Govert Flinck (1615-1660)
Carel Fabritius (1622-1654)
Samuel van Hoogstraten (1627-1678)
Nicolas Maes (1643-1693)
Beaucoup d'œuvres habituellement attribuées à Rembrandt ont une paternité aujourd'hui contestée par les experts. S'agit-il de ses peintures, de celles de ses élèves, ou de réalisations communes ?

Autoportrait : Rembrandt aux yeux hagards (1630), eau forte de 41x41mm (Collection du Musée Alexis Forel, Morges)Pendant la période de Leyde (1625-1631), l'influence de Lastman est la plus marquante. Les peintures sont de taille modeste mais très détaillées (costumes, bijoux). Les thèmes traités sont essentiellement religieux et allégoriques.
À son arrivée à Amsterdam (1632-1636), Rembrandt utilise de larges toiles, des tons puissants et peint des scènes plus spectaculaires, ainsi que de nombreux portraits.
Vers la fin des années 1630, il réalise beaucoup de paysages, aussi bien que des gravures inspirées par les thèmes de la nature, qui est vue souvent de façon agressive (arbres arrachés par les tempêtes, nuées menaçantes…)
À partir de 1640, son travail gagne en sobriété et reflète les tragédies familiales dont il souffre. L'exubérance est remplacée par une intériorisation des sentiments qui le tourmentent. Les scènes bibliques sont plutôt inspirées du Nouveau Testament que de l'Ancien Testament, ce qui était le cas dans ses œuvres précédentes. La taille des toiles diminue également, à l'exception notable de la Ronde de nuit. Les forces sombres de la nature laissent place à de paisibles scènes hollandaises rurales.
Dans les années 1650, le style de Rembrandt change à nouveau. Il se remet à peindre de grandes toiles et utilise des couleurs plus riches, les coups de pinceaux regagnent en force. On imagine qu'il prend de la distance par rapport à son œuvre précédente et qu'il s'éloigne aussi de la mode du moment, qui favorise le détail et la finesse de réalisation. Il continue à s'inspirer de thèmes bibliques, mais dans un style plus intimiste, préférant les personnages solitaires aux scènes de groupe.
À la fin de sa vie, il réalise de nombreux autoportraits, sur lesquels on voit son visage empreint de souffrance et marqué par les épreuves qu'il a traversées.
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Jeu 7 Sep 2006 - 23:14

bonne reponse!! 2+1pts pour betty



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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Jeu 7 Sep 2006 - 23:47

L'ETOILE D'OR, LA DANSEUSE SUR SCENE
(plusieurs titres pour ce tableau : la danseuse etoile, la danseuse sur scène), moi j'ai pris la mieux adapté

EDGAR DEGAS
Peintre, sculpteur, graveur français
Né à Paris le 19 juillet 1834
Décédé à Saint-Valéry-sur-Somme le 27 décembre 1917

amour légitime ; on ne l’épouse pas, on le viole.»
Edgar Degas

LA BIOGRAPHIE DE EDGAR DEGAS

Edgar Degas abandonne très vite ses études de droit et confie son éducation artistique à son propre père. Après plusieurs séjours en Italie et la réalisation de quelques toiles historiques, il fait la connaissance des impressionnistes, et participe à la première exposition de ce groupe en 1874, dans la galerie Durand-Ruel. Contrairement à eux, Degas se cantonne à la peinture d'intérieurs, à cause d'un grave problème oculaire qui lui fait craindre la lumière. Il est surtout réputé pour ses toiles représentant de jeunes danseuses de ballet, des courses de chevaux ou des 'Repasseuses', motifs à travers lesquels il veut traduire l'instantané, l'éphémère. Il s'est en outre distingué par la recherche de nouvelles techniques, mieux adaptées à son degré de cécité : peinture à l'essence de térébenthine, pastel, détrempe, modelage de figures en cire...

1853-1873 : l'invention d'une « nouvelle peinture » [modifier]
Pendant les vingt premières années de sa carrière, Degas expérimente tous les genres. Il a tout d'abord une prédilection pour les portraits. Dans ceux-ci, les accessoires prennent parfois tant d'importance que les œuvres sont à mi-chemin entre portrait et nature morte. Il apparaît très tôt capable de composer de grandes toiles ambitieuses comme « La famille Belleli ». Au début des années 1860, Degas aborde le genre des peintures historiques, en ayant recours de manière très personnelle à diverses sources d'inspirations. Il ne délaisse pas pour autant la peinture de genre, se passionnant très tôt pour les courses de chevaux, puis pour la danse, l'opéra, les cafés-concerts et la vie quotidienne. La danse est un sujet qui marquera la carrière de Degas. Il était en admiration devant ces danseuses qui rayonnaient sur la scène. Elles étaient comme des étoiles où notre regard ne pouvait se détacher d'elles. Il les montrait en préparation, derrière la scène et lors de leur prestation. Degas allait sur place pour représenter du mieux qu'il pouvait les moindres détails, c'est pour cette raison que ces tableaux nous touchaient tant.
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Sam 9 Sep 2006 - 11:20

Bonne réponse Betty

2+1pts pour toi

nouveau tableau:


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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Sam 9 Sep 2006 - 16:25

GEOPOLITICUS (1943)

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domenech, connu sous le nom de Salvador Dalí, (11 mai 1904 - 23 janvier 1989) était un peintre surréaliste. Il est né et mort à Figueres en Catalogne (Espagne) où il créa d'ailleurs son propre musée en 1974, le Teatre-Museu Gala Salvador Dalí.

Biographie
La région de son enfance, la Catalogne, aura toujours une place privilégiée dans son œuvre comme dans sa vie. Son père Don Felipe Domenech (Salvador Dali y Cusi y Felipe Domenech, photo) était un homme autoritaire et aurait été responsable de la mort du frère ainé de Dalí appelé Salvador, né en 1901 et décédé deux années plus tard.

À sept ans, il peint son premier tableau et veut être Napoléon. En 1918, après un bac obtenu facilement, Dalí entre à l'École des Beaux-Arts de San Fernando, à Madrid. Il se lie d'amitié avec Federico García Lorca et Luis Buñuel mais l'enseignement le déçoit et il se fait expulser pour avoir incité les étudiants à manifester contre l'incompétence d'un nouveau professeur.

En 1926, il fait un premier voyage à Paris et y rencontre Pablo Picasso. Trois ans plus tard, il retourne dans la capitale française, en compagnie de Buñuel, pour le tournage d'Un chien andalou. C'est la rencontre décisive avec les surréalistes : Tristan Tzara, Louis Aragon, André Breton, Paul Éluard... et sa femme, Gala. L'apparition de celle-ci est une révélation : il l'a rêvée et peinte avant de la connaître ; ils ne se quitteront plus.

En 1932, Dalí participe à la première exposition surréaliste aux États-Unis et obtient un succès triomphal. Il accumule les idées et Gala essaie de vendre ses inventions souvent jugées trop folles. C'est le début de la méthode paranoïaque-critique qui veut crétiniser le monde, comme Alfred Jarry voulait le décerveler. Aux récits de rêves et à l'écriture automatique des surréalistes, Dalí ajoute l'objet irrationnel à fonctionnement symbolique. Cependant, à l'issue d'une réunion mémorable, il se fait exclure du mouvement par André Breton qui lui reproche ses actes contre-révolutionnaires. De 1939 à 1948, il s'exile à New York et ses toiles témoignent de ses découvertes du nouveau continent (Poésie d'Amérique, par exemple).

« Pour pénétrer dans la réalité, j'ai l'intuition géniale que je dispose d'une arme extraordinaire : le mysticisme, c'est-à-dire l'intuition profonde de ce qui est, la communication immédiate avec le tout, la vision absolue par la grâce de la vérité, par la grâce divine. »
Cette profession de mysticisme, Dalí va l'appliquer jusqu'à la fin de sa vie aux œuvres qu'il lui reste à créer. Le gigantisme atteint ses dernières toiles, grouillantes de personnages dionysiaques, où il réunit toutes les tendances en -isme : pointillisme, surréalisme, tachisme...

Dalí s'intéressa aussi à bien d'autres arts, et fut en particulier fasciné par le cinéma, la photographie, la mode ou la publicité. En outre, il était passionné par les sciences, notamment par la théorie de la relativité d'Albert Einstein qu'il a représentée à sa façon dans les célèbres « montres molles » de son tableau Persistance de la mémoire.

Selon le couple Lacroix, en 1980, Salvador Dalí aurait semble-t-il été victime d'une dépression nerveuse et ses proches vont commencer à régenter les visites que le maître reçoit.

Gala meurt en 1982 ; la même année, Dalí est fait marquis de Pubol où il vit dans le château qu'il a offert à sa femme. En mai 1983, il peint son dernier tableau, La queue d'aronde. En 1984, il est très gravement brûlé lors de l'incendie de sa chambre, au château de Pubol. Il meurt le 23 janvier 1989 d'une défaillance cardiaque. Conformément à sa volonté, il se fera embaumer puis exposer dans son "Teatre-Museu", où il repose désormais. Une simple pierre indique le lieu de sa sépulture. Par testament, il légue l'ensemble de ses biens et de son œuvre à l'État espagnol.
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Lun 11 Sep 2006 - 19:18

bonne reponse de betty pour clore le jeux

2+1pts à betty celle qui sera venue à bout de toutes les images!!!
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Lun 9 Oct 2006 - 19:02

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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   Mer 11 Oct 2006 - 18:29

Tony un grand merci pour ces enigmes
Honnetement pour moi cela va etre dur car j'ai perdu tous mes repères depuis que j'ai fait une restauration destructive, mais je vais pas m'avouer vaincue je vais chercher
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MessageSujet: Re: Gagner des P+, JEUX N°3: Art   

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